Las revelaciones de la Virgen de Ayapango

En diversas formas, dimensiones y temáticas, en el país existe una gran cantidad de pinturas y esculturas novohispanas y modernas que representan a la Virgen de Guadalupe, lo cual refleja la devoción que se le tiene a esta imagen, considerada como milagrosa y de origen sobrenatural a partir del siglo XVII, y cuyo culto permanece hasta hoy.

Para los maestros y alumnos de la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía (ENCRyM) del INAH es ya casi una costumbre intervenir anualmente al menos una pintura con la imagen de la Virgen de Guadalupe.

Desde 2009, el Seminario-Taller de Restauración de Pintura de Caballete (STRPC) de esta escuela custodia e interviene una pintura con la imagen guadalupana del siglo XVIII, cuya particularidad radica en que su autor, hasta ahora desconocido, conoció la imagen original, además de que pudo haber tenido acceso a la calca que el pintor novohispano Juan Correa realizó del que se considera el ayate original, la cual se convertiría en el referente para todos los pintores que después reprodujeron la imagen de la Virgen del Tepeyac.

Además, esta pintura, proveniente del templo de Santiago Apóstol en Ayapango, Estado de México, posee singulares elementos que la hacen ser “distinta y más bella” de las múltiples reproducciones. Entre otros motivos, destaca la guirnalda con flores, aves e insectos que la rodean, y las cuatro escenas que ostenta en las esquinas, inspiradas en los grabados que narran las apariciones de la Virgen de Guadalupe a Juan Diego.

“La particularidad es el trabajo que el autor desarrolló para plasmar, tanto el manto de la Virgen, como su vestido. Todas las representaciones que habíamos conocido hasta este momento, excepto una más que se encuentra en la Basílica de Guadalupe, tienen un trabajo totalmente liso en las vestimentas, pero en este caso hubo un trabajo de decoración en dorado, a manera de esgrafiado, tanto en el manto como en el vestido.

Durante el procesos de restauración, reconocimos que además del trabajo que hay en los vestidos, hay una representación de aves, de flores y de insectos alrededor de la mandorla”, detalla la restauradora Yolanda Madrid Alanís, titular del STRPC.

Esta pintura, que por muchos años permaneció oculta en la bodega de la iglesia de Ayapango, llegó al taller de la ENCRyM con graves problemas: el soporte estaba casi podrido, roto y con faltantes, el lienzo presentaba problemas de humedad y en algunas partes faltaban capas pictóricas, el barniz estaba amarillento y en la superficie tenía una gran acumulación de polvo y suciedad.

El proceso de intervención

El proceso de intervención de la pieza ha sido minucioso y metódico. Un trabajo que ha implicado desde la limpieza general de la superficie, la estabilización del soporte, hasta la reintegración de algunas partes faltantes, como es el caso de las dos escenas de la parte inferior, actualmente en proceso.

“A la pieza se le puso una tela nueva, pegada a la del original, de tal manera que la nueva haga todo el esfuerzo mecánico para sostener la capa pictórica. Dado que toda la superficie había sufrido filtraciones de humedad, se tuvo que hacer una consolidación para poder mantener los adheridos en un mismo plano, con una técnica tradicional que viene desde Holanda, es un procedimiento recurrente cuando se trata de obras que presentan graves problemas en el soporte y en la capa pictórica”, detalla la restauradora.

Otro de los procesos, explica la especialista, fue la limpieza integral a la que fue sometida: “El mayor problema era la cantidad de mugre que había acumulado en la superficie, como hollín, polvo, tierra. Era una gran cantidad de cosas que hacían que muchas zonas fueran imperceptibles”.

En busca del autor

Uno de los retos al que se han enfrentado los especialistas con esta pieza es la búsqueda del autor, hasta ahora desconocido. Por las condiciones en que la pieza se encontraba, los restauradores no han podido localizar la firma, pero mediante el análisis de las técnicas de manufactura lograron determinar que se trata de una pieza del siglo XVIII.

“Fechar y atribuir esta imagen es complicado debido a que tenemos pérdida de mucha información en la parte inferior, que es donde suelen encontrarse las firmas y las fechas. Pero por las investigaciones y conocimientos que nos han vertido historiadores del arte de la UNAM y de la ENCRyM, sabemos que es una representación muy importante, que tiene características específicas, muy similares a la del ayate que se encuentra en la Basílica de Guadalupe. El trabajo que reconocemos es muy característico de alguien que sabía pintar, podemos decir que era un pintor muy bien adiestrado”, explica Yolanda Madrid Alanís.

Hasta hoy, se ha recuperado 90% de la pieza y los especialistas están en el proceso de reintegración de los faltantes de las dos escenas inferiores. “Se necesita hacer un interpretación mucho más concienzuda, porque lo que nos está faltando es prácticamente una cuarta parte de la imagen inferior”, dice Yolanda Madrid, quien añade que este proceso es el más tardado, ya que implica respetar la originalidad de la pieza.

Mientras que la Virgen de Guadalupe de Ayapango recupera su esplendor, en el taller de la ENCRyM ya hay otra pintura con la imagen guadalupana en espera de ser intervenida por las manos de los especialistas.

Se trata de una obra del siglo XVIII, del pintor Francisco Antonio Vallejo, perteneciente a la Basílica de San Clemente, del municipio de Tenancingo, Estado de México.

 

Fuente: El Universal.com

Concluye la 19 Semana Nacional de Ciencia y Tecnología

Con la activa participación de estudiantes de distintos niveles educativos culminó la 19 Semana Nacional de Ciencia y Tecnología, denominada “la sociedad y la economía del conocimiento”, realizada en la Unidad Académica de Agricultura (UAA) de la Universidad Autónoma de Nayarit (UAN).

Juan Apolinar Aguilar Castillo, coordinador de investigación de la UAA y responsable de la 19 Semana Nacional de Ciencia y Tecnología, manifestó que, este es un evento instituido por el Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (CONACYT), con la finalidad de que participen y se involucren los niños y jóvenes de México en las actividades de los investigadores.

Subrayó que en este caso, la UAA invitó a las escuelas de su área de influencia, pertenecientes al municipio de Xalisco y Tepic, para establecer la convivencia directa con investigadores. ”Como parte de la estrategia, se mostró y explicó la variedad de trabajos que realizan en el área de investigación“.

Cabe señalar que a la UAA la conforman distintos cuerpos académicos que colaboraron y presentaron sus proyectos a lo largo de la semana, además de la participación en cinco a siete actividades por día, con una asistencia de aproximadamente 120 estudiantes.

Aunado a la explicación de las investigaciones, como parte de los eventos especiales se presentaron libros y la exposición de pinturas científicas realizadas por estudiantes de Biología, con dibujos relacionados con plantas e insectos, como parte de los trabajos de la materia de dibujo científico.

En el programa de actividades destacaron también las conferencias, presentaciones musicales, visitas guiadas, talleres, demostraciones y videos.

Fundación Warhol se deshará de su colección

La Fundación Andy Warhol desveló hoy que se deshará de su extensa colección de obras del padre del Pop Art con la donación a museos de una parte y la venta de otra a través de la casa de subastas Christie’s, con lo que busca centrarse en su labor de concesión de becas para el fomento del arte.

“Las donaciones que vamos a hacer a museos y la mejora de nuestra capacidad para dar becas, posibles gracias a la venta de obras, enfatizarán el legado de Warhol y su impacto en el mundo del arte”, aseguró el presidente de esa Fundación, Joel Wachs, en un comunicado.

La organización se desprenderá de las cerca de 20 mil obras de Warhol con las que cuenta, entre ellas pinturas, dibujos, fotografías, grabados y material gráfico, con las que prevé recaudar unos 100 millones de dólares a lo largo de los “múltiples años” en los que transcurrirán las subastas.

Christie’s se encargará en exclusiva de esas ventas, que promocionará a través de una nueva página web que lanzará en octubre y que comenzarán el próximo 12 de noviembre con una subasta en su sede en Nueva York para continuar a partir de febrero del próximo año con una serie de subastas online.

“Estas ventas permitirán un acceso global sin precedentes al trabajo de Andy Warhol, en línea con la propia filosofía democratizadora del artista”, añadió Wachs.

Mientras tanto, y como parte de las celebraciones del 25 aniversario de esa organización, creada poco después de la muerte del reconocido artista, en 1987, la fundación donará “obras significativas” a diferentes museos, “dando continuidad a su larga tradición de donaciones del arte de Warhol”.

La fundación ya no cuenta en su colección con ninguna de las obras clave del polifacético artista, aunque sí con un buen número de piezas jamás vistas y lienzos como “Three Targets”, que data de mediados de los años ochenta y por el que podrían llegar a recaudar hasta 1.5 millones de dólares.

Entre las obras de la fundación que saldrán a subasta también se encuentra el grabado Jackie, basado en la imagen de Jacqueline Kennedy y que podría recaudar hasta 300 mil dólares, y Self-Portrait in Fright Wig, un autorretrato en Polaroid valorado en hasta 20 mil dólares.

El objetivo de la organización es aumentar su capacidad de otorgar becas a fundaciones artísticas sin ánimo de lucro, una labor que lleva realizando los últimos 25 años, durante los cuales ha repartido un total de 250 millones de dólares que ha financiado con la subasta de las obras del artista.

“Durante un cuarto de siglo, la fundación ha honrado cuidadosamente y preservado el legado artístico de Andy Warhol tratando de alcanzar su misión: el fomento de las artes visuales”, dijo por su parte el presidente del consejo de esa institución, Michael Straus.

 

Fuente: El Universal.com

Huellas en el Muro

Breve Retrospectiva de Jesús Portillo Neri

El conjunto de obras presentadas en esta muestra se unifican por el concepto.

Son traslados, caminatas; una revisión del espacio-tiempo-memoria. La condición de nómada.

Huellas en el Muro es la metáfora del tiempo inmóvil como archivo-memorial de los pasos. El muro ruinoso, el muro de ayer donde se inscriben los sucesos.

Ahí quedan las huellas del transcurrir sin nombre. El muro protege, también divide, aisla, oculta. Permanece, pero se puede derribar, es franqueable.  El arte es construir a partir de la destrucción y viceversa. Es borrar para fundamentar.

Las obras presentan diversos tratamientos, materiales heterogéneos; esto podría ser un riesgo, sin embargo conservan la unidad. En ellas el color se entiende como una presencia, un símbolo de vida; y no sólo como un material.

En trabajos del 2008 vemos que los escenarios no son definidos. Portillo Neri se deslinda de la representación formal. La memoria necesita un soporte para estamparse. La contundencia emocional del recuerdo aumenta cuando se hace visible.

En 2009 la figura humana retorna al escenario, es pequeña, se mimetiza con los fondos desolados, donde ya distinguimos una estancia, una estación de trenes baldía, un mar azul en los bordes de un barco de papel invertido. Los personajes ensimismados, se detienen, no regresan, se ocultan, planean el viaje que en 2010 da inicio y continúa en 2011 con la serie “Breviario de Caminante”. Rutas desde el origen hacia el intento por descifrar el tiempo inasible, que sucede, no se detiene. Aquí aparecen seres en silueta, unos fosilizados, otros fugaces. Infantes dibujados a línea, sugeridos, inmateriales, tatuados en paredes viejas de casas anónimas: fantasmas. Niños atrás de su rostro actual, lo que fueron y lo que son, el adulto, el anciano. En esta serie el artista utiliza elementos-símbolos de la cultura Pop, del misticismo, la literatura, del rock; estos nutren la expresión, el mensaje que  sigue desarrollando en las pinturas del 2012. Ellas evocan situaciones de recuperación, de reconocimiento, de armar el rompecabezas partiendo de la premisa de que tener memoria te mantiene vivo. Te reconstruyes. En  algunas de estas obras la presencia humana se sugiere; al verlas pensamos “alguien estuvo ahí”,pero sólo vemos la marca, la huella de la individualidad, lo que permanece.

En el arte todo es posible. Lo que no puedes solucionar en la práctica, en la vida real; en él se resuelve. Es catártico.

Esta breve Retrospectiva de Jesús Portillo Neri  nos muestra un intenso recorrido por escenarios-espejo, donde el espectador puede reflexionar sobre el tiempo y la condición humana. La pintura que provoca sensaciones, pensamientos, está viva, cumple su función, cierra el círculo. En esta exposición hay un trabajo honesto, en ocasiones arriesgado en su composición formal, pero siempre en la búsqueda, unificando el concepto con el dominio de la técnica, con la firme intención de decir algo.

El expresionismo alemán llega a Bellas Artes

Lo que pasaba en el arte en Europa un siglo atrás se relata en la exposición Expresionismo alemán: el impulso gráfico. Son 249 pinturas, grabados, dibujos, libros y obras en papel de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), recinto que las exhibió en 2011; México es la primera escala a donde se llevan, luego estarán en Houston y Carolina del Norte.

Es una exposición singular, que no hay que dejar de ver, espejo de uno de los movimientos más importantes del arte en el siglo pasado; es la ocasión de estar frente a los grandes representantes de ese ismo y algunas de sus magníficas creaciones. Hay cuadros en distintos formatos de Otto Dix, Egon Schiele, Vasily Kandinsky, Max Beckmann, George Grosz, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Emil Nolde entre otros.

Nacido a partir de la necesidad de los artistas de expresar sus emociones, sentimientos o ideas a través de la materia, y caracterizado por una experimentación hasta entonces inédita de la gráfica, el Expresionismo hizo eco de muchas de las ideas del nuevo siglo al tiempo que sus representantes observaron, participaron, representaron, se dolieron, padecieron y exorcisaron los efectos de la I Guerra Mundial en su arte.

En las salas del primer piso de Bellas Artes las obras se han distribuido en núcleos que conducen por las etapas, grupos y el contexto sociopolítico del movimiento; estos núcleos son: el Puente (Die Brücke), Jinete Azul (Der Blaue Reiter ), Expresionismo Austriaco, Desarrollo del Expresionismo, Guerra, Sociedad de Posguerra, Política de Posguerra. La puesta en México es muy similar a la de NY, aunque acá se presenta un número menor de óleos y grabados, y no se trajeron esculturas.

Una estética radical

La curadora de la exposición, Starr Figura, curadora asociada del Departamento de Gráfica y Libros Ilustrados del MoMA, explicó en conferencia que “los artistas involucrados eran escultores y pintores que utilizaban el grabado con el tipo de dedicación y fervor inédito en la historia del arte, y a través del grabado pudieron adelantar esta estética tan radical para diseminar y divulgar sus imágenes e ideas de manera amplia”.

La exhibición abarca desde el surgimiento del movimiento en ciudades como Dresde, Múnich y Viena, y luego su paso hacia Berlín. De entrada refleja cómo el Expresionismo nació a partir de Die Brüecke (El puente), en medio de un entusiasmo por el nuevo futuro que se plasmó en escenas de bailes, llenas de color. Luego abunda en el interés por las formas abstractas y los colores prismáticos en artistas como el ruso Vasily Kandinsky y en esa idea que alentaba a estos artistas de acabar con el materialismo de la época. Se presenta después la experiencia seductora y sórdida de la vida moderna, los peligros de la nueva ciudad, un ejemplo está en Metrópoli de Grosz.

Y fue entonces cuando llegó la I Guerra Mundial, en 1914, y muchos de estos artistas fueron llamados a enlistarse en el ejército, o participaron como médicos voluntarios. Un primer cambio está en los colores; ya no están esos tonos festivos sino la contundencia del blanco y negro.

En portafolios y obras individuales las secuelas son evidentes: se exhiben aquí 50 de los grabados del portafolio “La guerra”, de Otto Dix, con algunas de las obras más impactantes en la historia del arte, en torno de la guerra, donde hay cuerpos moribundos, calaveras, trincheras, gritos, devastación, explosiones, gas.

En esos años casi todos ellos crearon obras que como Goya en su momento, mostraban los “desastres de la guerra”: Grosz satirizó a los soldados alemanes, Beckman representó el drama en La granada y la pintora Käthe Kollwitz se ocupó del dolor de las viudas, las madres, del suyo.

En las últimas salas, las obras no dejan de abordar la guerra, pero los artistas vuelven a ocuparse de esa sociedad urbana, de la noche, de los amantes. Hay exploraciones como la de Dix con la Nueva Objetividad.

“Estos son los artistas más representativos del Expresionismo, los protagonistas, los que influyeron, los que tuvieron que ver”, destacó Mariana González Correa, quien coordinó en Bellas Artes la exhibición, que permanecerá hasta el 2 de septiembre. De forma paralela habrá pláticas, cursos, talleres, cine y visitas guiadas. El jueves a las 19 horas, Starr Figura dará una plática sobre la muestra.

 

Fuente: El Universal.com

 

El mercado del arte vuelve a gritar de euforia

Los testigos de la subasta contenían el aliento mientras la puja sumaba un cero detrás de otro. Los millones subían vertiginosamente y el récord del cuadro más caro de la historia, ostentado por un Picasso, se veía cada vez más cerca, gracias a dos compradores enzarzados por teléfono en una enconada contienda motivada por un objetivo muy claro: convertirse en propietarios de una de las cuatro versiones, la única que quedaba en manos privadas, de El grito de Munch (1863-1944), una de las pinturas más emblemáticas y reconocibles de todos los tiempos, “quizás tan sólo por detrás de La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci”, señaló el director de la subasta, Simon Shaw.

Hasta 12 minutos se prolongó la batalla entre estos dos compradores anónimos, que hicieron que el precio de la obra escalara hasta la desorbitada cifra de 119.9 millones de dólares, mientras el público contemplaba fascinado y expectante el espectáculo, hasta tal punto que la página web de la casa de subastas Sotheby´s, por la que se retransmitía en directo la puja, se colapsó.

Al fin, el martillo cayó, designando inapelablemente a El grito como la obra que, por el momento, ha alcanzado un precio más alto en una venta de estas características. Un número bastante más elevado que el que se pagó en 2010 por Desnudo, hojas verdes y busto, de Pablo Picasso (1881-1973), el cuadro que, hasta ahora, ocupaba el privilegiado primer puesto en el podio de la cotización.

Esta astronómica cifra resulta llamativa no sólo por su cuantía. Al margen de que un cuadro se haya vendido por casi 120 millones de dólares, cuando la mismísima Casa Blanca fue tasada recientemente en 110 millones, bajo este nuevo récord subyace un significado que va mucho más allá de la mera anécdota: apunta a una recuperación del mercado del arte.

El mercado del arte se recupera

La crisis financiera también había dejado sentir sus estragos en este sector. Piezas de gran valor como una escultura de una de las bailarinas de Edgar Degas (1834-1917), con un precio estimado de hasta 35 millones de dólares, se quedó sin comprador cuando salió a la venta en la temporada de otoño de subastas de Nueva York de 2011.

Tampoco encontraron acomodo obras de Alberto Giacometti (1901-1966) o Picasso que reunían los requisitos necesarios para suscitar y satisfacer las apetencias de los compradores. El furor por el arte se había desinflado.

Sin embargo, el caso de El grito parece haber insuflado una nueva bocanada de oxígeno al mercado. Y no es un caso aislado. Sotheby´s recaudó esa noche un total de 330 millones de dólares, gracias a otras obras como Mujer sentada con gato, de Picasso, que alcanzó el nada desdeñable precio de 29,2 millones de dólares.

Por su parte, la otra gran casa de subastas neoyorquina, Christie´s, ha obtenido en sus dos grandes citas de esta primavera un total de 616 millones de dólares. A ello han contribuido en gran medida iconos como Naranja, rojo, amarillo, el Mark Rothko más caro vendido hasta la fecha, por 86,8 millones de dólares. Un récord más.

Otros hitos pictóricos de esta primavera en Nueva York han sido Chica durmiendo, calificada por Shaw como “la obra más deseada” de Roy Lichtenstein (1923-1997), por haber permanecido en manos privadas desde que se pintó, en 1964, y por la que se pagó otro récord para una obra del pintor estadounidense y su estética de cómic: 44,8 millones de dólares, lo mismo que se abonó por un Francis Bacon (1909-1992) titulado Figura escribiendo reflejada en el espejo.

Nuevos compradores

El revulsivo para lograr esta revitalización debe atribuirse, según explicó la experta de Christie´s Laura Paulson, a los nuevos coleccionistas, procedentes de mercados emergentes.

“Hay nuevos compradores en diferentes partes del mundo como Rusia, Oriente Medio, Asia o, dentro de Estados Unidos, en Silicon Valley, y es muy interesante ver su respuesta ante obras occidentales”, aseguró Paulson. Esta especialista en arte de posguerra bosquejó un perfil del nuevo comprador: “Es selectivo, refinado, exigente, educado y, sobre todo, está muy bien informado, porque sabe que está compitiendo con coleccionistas muy poderosos, por lo que se asesoran exhaustivamente, con el fin de saber qué pasos tienen que dar para hacerse con una obra”. Obras que, según Paulson, tratarán de conseguir cueste lo que cueste, ya que “saben perfectamente lo que quieren”.

“Están buscando cosas muy particulares. Sobre todo, obras del periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial, porque saben que adquirir un Rothko o un Klein es una oportunidad única en la vida”, aseguró Paulson, quien añadió que “los compradores se centran en piezas muy reconocibles, como El grito, un ejemplo inmejorable de qué ocurre cuando un auténtico icono sale al mercado, porque eso supone para ellos una garantía de que están invirtiendo en un valor seguro”.

Pero no sólo los artistas consagrados ponen en circulación los millones, sino que, los nuevos compradores, según Paulson, también se están dejando seducir por artistas noveles, con cuyas obras pretenden engrosar sus nacientes colecciones, lo que, asimismo, produce un impacto en la configuración y el statu quo del mercado del arte.

Esto está motivando que “a pesar de que el contexto todavía está débil en términos de desarrollo e inversión, el arte esté aguantando bastante bien el tirón, sin perder demasiado valor y con claros signos de recuperación”, en palabras de la experta.

Además, señaló otra causa tras este creciente interés por el arte: el alcance global que ha conquistado, como lo prueban las múltiples instituciones y pinacotecas que están germinando en todo el mundo y arrebatando el monopolio en cuestiones culturales a los núcleos en torno a los que tradicionalmente orbitaba este mercado, como Nueva York o Londres.

La experta achacó este renacer a que “desde hace ocho o diez años, los conocimientos artísticos y la información de este tipo se han extendido alrededor de todo el mundo, lo que recuerda al boom que vivió el arte en la década de los 80”.

Una época dorada que quizás ha vuelto para quedarse y que en la temporada de subastas de primavera de Nueva York acaba de dar su grito de salida.

 

Fuente: El Universal.com

El poder de las diosas prehispánicas

La vida femenina en Mesoamérica era presidida por diosas o patronas. Deidades protectoras y de carácter maternal ligadas al hogar, la tierra, la noche, la sexualidad, la fertilidad y la fecundidad, cada una determinaba, en gran medida, el comportamiento cotidiano y moral de la mujer prehispánica.

En los mitos, en los códices, esculturas o pinturas es común ver a las diosas representadas con elementos relacionados con las actividades atribuidas a las mujeres.

La mayoría de las diosas, comenta la arqueóloga Miriam López, “muestra el modelo deseable para las mujeres, al ser mostradas con implementos de hilado, tejido, exaltando la idea de que las mujeres son las encargadas de los mantenimientos, los alimentos para que la sociedad sobreviva”.

Las historiadoras María de los Ángeles Ojeda Díaz y Cecilia Rossell también aseguran que las diosas veneradas en Mesoamérica “modelaban la actitud mental de la mujer y determinaban el modo en que cada una debía comportarse en todos los actos de su vida”.

Tanto en la concepción mexica, como en la maya, se compartió el interés primordial por enfatizar la fertilidad humana-vegetal en las diosas, así como los mantenimientos que provenían de las mujeres como “seres nutricios”.

Otro de los aspectos que resalta en las representaciones de las diosas y mujeres mexicas y mayas es su contribución económica mediante el tejido e hilado, añade Miriam López, autora del libro De mujeres y diosas aztecas.

Así, en el caso de las deidades femeninas mexicas relacionadas con la agricultura, con la tierra y sus frutos, destacan Xilonen y Chicomecoatl (maíz tierno y maíz maduro), Mayahuel (maguey), Huixtocihuatl (sal), Chalchiuhtlicue (agua), Iztaccihuatl (montañas) y Xochiquetzal (flores). Mientras que, entre las divinidades de la fecundidad-maternidad estaban: Omecihuatl, la gran creadora de la que surgen dioses y hombres; Toci, “Nuestra abuela”; Teteoinnan, “Madre de los dioses”; Coatlicue, madre de Huitzilopochtli; Tonacacihuatl, “Mujer de nuestro sustento”, principal nodriza de la población; Oxomoco, primera mujer creada de la que surgió el resto de la raza humana; Cihuacoatl, diosa invocada en los partos difíciles; Tonantzin, “Nuestra madre”; Yoalticitl, patrona de los partos; Tlazolteotl, la gran paridora; y las cihuateteo, mujeres divinizadas que murieron en su primer parto.

A estas deidades se les suman las vinculadas con otros aspectos, como el sexual (Xochiquetzal y Tlazolteotl), el bordado y el tejido (Xochiquetzal, Mayahuel, Tlazolteotl y Toci) y el hogareño (Chantico).

De acuerdo con la arqueóloga Miriam López, estas últimas fueron “númenes extranjeros adoptados en el peregrinar mexica hacia el centro de México, tradiciones provenientes de otros pueblos que con el paso del tiempo fueron asimiladas y terminaron mimetizándose con la tradición azteca-mexica”.

Ojeda Díaz y Cecilia Rossell, que en su texto Las diosas en los códices del Grupo Borgia analizan la función religiosa de ocho diosas representadas en este documento antiguo escrito en Puebla, años antes de la Conquista, destacan la importancia que se les da a las diosas Tlazolteotl y Xochiquetzal, las cuales representaban “los modelos divinos que regían a la mujer madura y joven respectivamente, y en sentido más amplio, a los mitos femeninos que describen los momentos más íntimos de una mujer, su sexualidad, concepción y alumbramiento”.

De cuidadoras a provocadoras

En el caso de las diosas mayas, Miriam López comenta que la diosa Madre maya está vinculada con la tierra, pero también con la luna. En su aspecto juvenil recibe el nombre de Diosa I o Ix Chel; en su aspecto senil se le conoce como Diosa O, también llamada Ix Chebel Yax.

“Son divinidades de la fertilidad, númenes solícitos, maternos, sexuales y fecundos, dadoras de vida, señorean el agua, los ciclos vitales. Pero también provocan o curan enfermedades y proveen el agua para la vida o la retiran provocando la muerte”, explica la especialista.

Existe además otro grupo que, por sus atributos de diosas rebeldes, destructivas y hostiles, fueron consideradas como un “antimodelo”, pues “en los mitos se justifica la marginación de las diosas y, por tanto, de las mujeres de los ámbitos públicos: política, religión y guerra”.

En esta categoría se ubican las hermanas de Huitzilopochtli, Coyolxauhqui y Malinalxochitl, quienes, según los mitos, quisieron retar el poder de su hermano y cuestionar su liderazgo, ante lo cual él terminó arrojando del Coatepec (Cerro de la serpiente) a la primera y abandonando a la segunda en Malinalco.

“El mito de Coyolxauhqui representa la exclusión de las mujeres del poder político; el de Malinalxochitl es símbolo de la marginación femenina de la estructura religiosa”, comenta Miriam López.

Pese a la importancia que las diosas pudieron poseer, por estar vinculadas con la Madre Tierra, según las especialistas, su culto se vio opacado en las sociedades estatales por el culto guerrero.

“En las religiones estatales y bélicas como la mexica ya no se les dio una importancia primordial a las diosas. Las divinidades femeninas necesitaron siempre de un dios acompañante con los mismos atributos pero con mayor radio de acción”, dice López, quien asegura que de los 144 nombres nahuas que corresponden a dioses distintos o sus advocaciones, sólo una tercera parte la constituyen las diosas.

 

Fuente: El Universal.com

 

Arte infantil en la Galería de la Plástica a partir del 30 de abril

Tepic, Nayarit.-  En la Galería de la Plástica Nayarita, concluye el mes de abril con la inauguración del Primer Salón de la Plástica Infantil,  exposición de pinturas realizadas por niñas y niños de los 20 municipios de la entidad.

Guiados por artistas locales, talleristas y maestros en artes plásticas prepararon obra, ya fuera en sus escuelas o en casas de la cultura de su localidad, para que a partir de este viernes se exhiban en el número 77de la calle Durango sur, en Tepic, la capital del estado.

El acto inaugural corrió a cargo de Manuel Cayeros, representante de los artistas plásticos locales, acompañado de Juan Lamas y Adalberto Meza, entre otros; en su mensaje, Cayeros destacó la importancia de la formación estética y la estimulación de la creatividad a temprana edad para dotar de mejores aptitudes y conocimientos a los futuros adultos.

Así mismo Cayeros, enfatizó la importancia de la instrucción artística entre los cinco y 17 años; actividad que desde su apertura en 2010 se ha desarrollado en la Galería de la Plástica Nayarita, al igual que en otras instancias dependientes del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Nayarit (CECAN).

En días pasado, este mismo espacio, exhibió “De la vista nace el artista” y “Yo estoy aquí”, pintura y fotografía infantil y juvenil, a cargo de la coordinación de Cultura Infantil “Alas y Raíces” en colaboración con la Plástica Nayarita. Fueron 48 obras realizadas por infantes de entre 3 y 17 años de edad de todo el país y seleccionadas de 2 mil piezas originales. La selección incluyó obra de personas con discapacidad y adolescentes infractores.

En lo que respecta a la muestra “Yo estoy aquí” es una selección de fotografías en las que convergen diversidad de rostros, grupos étnicos, variedad socioeconómica y de ideas; lo mismo que sueños y fantasías de adolescentes nacidos o radicados en la Ciudad de México.

“Yo estoy aquí” es un proyecto impulsado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) Joven Alas y Raíces y reúne imágenes captadas por cuarenta adolescentes quienes con sus fotografías generan un diálogo en el que conviven múltiples intereses en los más diversos sitios de la geografía mexicana.

Next Page »