Inauguran Retrospectiva de Gabriel Orozco en el MOMA de Nueva York

Nueva York.- El artista mexicano Gabriel Orozco (Xalapa, Veracruz, 1962) afirmó hoy aquí que significa un orgullo para él, la muestra retrospectiva por 20 años de trayectoria que le ha organizado el Museo de Arte Moderno (MOMA).
Un gusto, porque quiere decir que todo lo que ha hecho, los caminos en los que ha incursionado en el arte (fotografía, pintura, escultura, instalación y hasta cerámica), así como los materiales y las técnicas que ha usado, han estado bien, subrayó durante el recorrido previo a la muestra “Gabriel Orozco”, que esta tarde será inaugurada oficialmente, para permanecer hasta el 1 de marzo de 2010.
Representa que quienes no conocen su trabajo, sobre todo los jóvenes, lo hagan; al mismo tiempo que es una oportunidad para ver hacia atrás, a lo que ha creado, y esforzarse por continuar haciendo bien su trabajo, añadió, al finalizar el recorrido y en un encuentro con la prensa mexicana que se dio cita en esta oportunidad.
Subrayó que su interés es que quien vea su trabajo disfrute lo poético que implican las cosas sencillas, la simpleza de su trabajo, por encima de lo que predominaba, que era lo virtuoso-técnico. Hasta hace unos años se creía que se debía “apantallar” con todo un andamiaje tecnológico detrás del arte; él no lo cree así.
Su idea es que lo más sencillo es lo importante, lo que uno quiere transmitir a través de la simpleza de las cosas que retoma para crear objetos artísticos; pero también es importante ver todo lo que hay detrás de esa simpleza, todo lo reflexionado, pensado, analizado de una manera artística.
Sin embargo, aclaró que su obra, a lo largo de dos décadas se puede ver en esta exposición en uno de los museos más importantes del mundo, hay dos planos: el de las cosas sencillas, con obras como “Pelota ponchada” y “Caja de zapatos vacía”, pero también el de las que implicaron grandes procedimientos técnico-tecnológicos, como en “La DS” y “Matrix móvil”, todas estas obras incluidas en esta exposición.
En el primer caso, se trata de la fotografía en blanco y negro de una pelota de fútbol ponchada, a la que se le ha acumulado el agua encima, y una caja de zapatos vacía, pintada de blanco y tirada en el suelo; y un modelo antiguo de carro Citroen DS, partido en tres a lo largo y unidas las partes externas para formar una especie de flecha y el esqueleto de una ballena gris al que Orozco pintó figuras concéntricas con grafito, respectivamente.
Recordó, además, que en su trayectoria también ha hecho uso de la electrónica y las impresiones digitales para la resolución de su obra. Lo importante no es quedarse en el enclaustramiento, hay que permanecer abierto a lo que ocurre en el arte y en el mundo en general, refirió.
También se dijo orgulloso de que muchos artistas jóvenes lo vean como un referente, un guia y un maestro a seguir, porque justamente lo que le gusta es dialogar con otros a través de su trabajo, lo mismo sean otros creadores que el público en general, a grado tal que muchas de sus obras son invitaciones a tocarlas, sentirlas e interactuar con ellas.
El creador mexicano, cuya exposición en el MOMA se debe en parte al patrocinio que han otorgado instituciones mexicanas, como el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y la Fundación Televisa, subrayó que su compromiso es con el trabajo que va a entregar a los demás, al mundo, porque igual el admiró a muchos artistas.
En conferencia de prensa posterior al recorrido previo por la exhibición, se recordó que el artista mexicano es uno de los más importantes de su generación, pero no sólo en su país o en Latinoamérica, sino del mundo entero, por lo que sus trabajos también son de los más valorados en el orbe.
Una de las características que explican su trabajo es que una de sus funciones básicas consiste en evocar la fuerza que se establece entre los materiales y su contexto, entre el objeto y el significado.
Es el tercer artista mexicano al que el museo le dedica una muestra así, y segundo maestro plástico, sólo detrás de Diego Rivera y Manuel Alvarez Bravo.
En el acto, Gabriel Beltrán, cónsul general de México en Nueva York, destacó el orgullo que significa para el país esta muestra retrospectiva en uno de los museos más importantes del mundo.
Resaltó que se trata de uno de los creadores mejor posicionados en el orbe, que ha incursionado en diferentes métodos y materiales para hacer su arte, que se desenvuelve en varios modos de expresión, como fotografía, escultura, pintura e instalación. Gabriel Orozco, afirmó, representa una nueva clase de artista, universal, pero también reflexiva, por lo que este día es muy importante la cultura mexicana.
Ann Temkin, curadora en jefe de la exposición, puntualizó que esta muestra es una clase de victoria, porque Orozco es uno de los mejores creadores de su generación, al mismo tiempo que único, que irrumpe en el arte mundial en la década de 1990, cuya obra tiene más relación con la realidad, que cualquier otra en el mundo.
Es de mayor contacto con la actualidad, que lo que pudiera tener alguna de tipo minimalista en el orbe, porque hay una reflexión en los objetos simples y llanos que retoma para hacerlos arte y ellos mismos motivan a pensar las cosas existentes.
Se trata además, dijo, de un artista único porque las obras que realiza sólo existen en la imaginación, en sus ideas, además que hacen reflexionar sobre su propia existencia, al mismo tiempo de ser un guiño de humor, abundó sobre la exposición a la que el cuerpo curatorial dedicó dos años de trabajo.
Por su parte, Diana Mogollón, de la Fundación Televisa, refrendó el compromiso de la institución que representa por mostrar el arte de México en el mundo, de lo que muestra esta exhibición, que al mismo tiempo fortalecen las relaciones que mantiene este país en el mundo, en este caso con Estados Unidos.
Compuesta por alrededor de 80 piezas artísticas, procedentes de instituciones y colecciones privadas en todo el mundo, así como del acervo del propio artista, la muestra “Gabriel Orozco” incluye piezas representativas de 20 años de trayectoria, creaciones reconocidas en el mundo, como también lo es “Mi manos son mi corazón”.
Además de las mencionadas, la exposición se compone de piezas que visualizan la trayectoria de Gabriel Orozco en el arte mundial, como “Tapas de yogurt” (1994), “Caballo” (1992), “Perro durmiendo” (1990), “Isla dentro de una isla” (1993), “Tuttifruti” (2008), “Pelvis” 2007), “Mesas de trabajo 2000-2005″ (2005), “Mientras encuentras otra Schwalbe amarilla” (1995), “Proletariat” (1997) y “Los caballos corren infinitamente” (1995).
Después de presentarse en el MOMA hasta el 1 de marzo próximo, la exposición retrospectiva “Gabriel Orozco” viajará con algunos cambios, al Kuntsmuseum Bassel, del 18 de abril al 10 de agosto de 2010; al Museo de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, de París del 15 de septiembre de 2010 al 3 de enero de 2011, y al Tate Modern de Londres, del 19 de enero al 25 de abril de 2011. (Tomado de Conaculta)

Gana premio mexicana Alejandra Laviada en Photo España 2009

La mexicana Alejandra Laviada ganó hoy el Premio Descubrimientos del festival Photo España 2009 (PHE09), con una serie que retrata esculturas hechas con objetos desechados en lugares que van a ser demolidos o remodelados.
En un comunicado, la organización de Photo España precisó que el premio se entregará el próximo 22 de junio en la entrega de premios de Photo España 2009, que tendrá lugar en Las Naves del Español, en el centro cultural El Matadero, de esta capital.
La decisión del jurado se hizo tras la revisión de los porfolios que participaron en el Premio Descubrimientos PHE09, entre los 110 finalistas de las ediciones del Distrito Federal (México), Lima y Madrid, dentro de este festival que se realiza del 3 al 26 de junio.
Laviada participó en Descubrimientos PHE México DF, con su serie “Foto esculturas”, con la que “retrata esculturas efímeras creadas con objetos encontrados en espacios abandonados que intenta alterar nuestra concepción de los objetos cotidianos”. Asimismo “registra espacios que serán demolidos o transformados por completo y sugerir historias de las personas que los habitaban”.
El jurado estuvo compuesto por Susan Kismaric, conservadora en el Departamento de Fotografía, Museum of Modern Art-MoMA de Nueva York; Colette Olof, comisaria, Foam_ Fotografiemuseum de Amsterdam; y Lesley A. Martin, editora ejecutiva del Aperture Foundation de Nueva York.
El Premio consiste en la participación en el próximo Photo España 2010 con una exposición individual en el Complejo El Aguila.
Laviada estudió pintura en la Rhode Island School of Design y después realizó una maestría en fotografía en la School of Visual Arts, y en 2008 expuso de forma individual en los Danziger Projects y de forma colectiva en NY Photo Festival.
Fue nombrada Wallpaper Emerging Photographer en 2008 y fue seleccionada para el PEE K Festival of Emerging Photographers, organizado por Arte+Commerce en 2007 y recibió la mención de honor de la XI Bienal de Fotografía en el Centro de la Imagen en 2006.
La Jornada

“Iluminará” Van Gogh a Amsterdam

Vincent Van Gogh fue el pintor de la luz y el color, pero muchas de sus obras maestras versan sobre el atardecer y la noche, unos momentos místicos para él y que ahora se intentan recrear en una exposición en Amsterdam.
En Van Gogh y los colores de la noche se podrán contemplar entre el 13 de febrero y el 7 de junio en el museo Van Gogh 26 pinturas, nueve dibujos y cinco cartas del pintor, pertenecientes a una colección particular y una decena de museos, entre ellos el de Orsay de París y el Thyssen de Madrid.
Esta es la primera retrospectiva de las composiciones vespertinas y nocturnas de Van Gogh, que nunca antes habían sido estudiadas en grupo y aún menos unificadas en un catálogo.
El atardecer y la noche, que Van Gogh pintó desde sus inicios, permiten ver la evolución de su arte, desde sus años holandeses en los que utilizaba tonos más marrones y grises hasta la explosión de colores de sus pinturas posteriores.
“A menudo me parece que la noche es mucho más viva y rica en colores que el día” , escribió en una carta a su hermano Theo en septiembre de 1888.
En la exposición, que entre septiembre y enero pasados pudo ser admirada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) , figuran iconos como Los comedores de patatas que pintó en 1885 y que recoge influencias de los maestros antiguos como Rembrandt, la Noche estrellada sobre el Ródano (1888) y la Noche estrellada (1889) .
Precisamente este último cuadro, que no se ha expuesto en la capital holandesa desde 1990, es uno de los principales atractivos de la muestra, la primera que organizan conjuntamente el museo Van Gogh y el MoMa, que lo ha prestado para la ocasión.
En el museo holandés las obras se exponen entre luces tenues y sobre unas paredes de vivos colores azul-verdoso o azul-violeta, que según su director, Axel Rüger, prestan más intimidad y “añaden drama y brillo” a los cuadros.
Los organizadores incluso han alejado los carteles explicativos para que no distraigan al visitante de la contemplación de los lienzos.
“Las obras son tan importantes e impresionantes que queremos que el público sienta que está solo frente a ellas” , declaró a Efe el comisario, Sjraar van Heugten, quien dijo esperar 600 mil visitantes de aquí a junio, unos 150 mil más de lo normal en este periodo.
Van Gogh veía en el atardecer y la noche momentos de consuelo, de reflexión, creatividad y poesía en los que experimentaba un “sentimiento casi religioso” que intentaba reflejar en sus lienzos, según Van Heugten.
Pero también era consciente de la soledad y los peligros de la vida disoluta en la noche, plasmados en cuadros como Salón de Baile en Arles y Café de noche.
Van Heugten se lamentó de que este cuadro, que sí fue expuesto en el MoMa, no esté en Amsterdam, porque la Fundación de la Universidad de Yale, su propietaria, no quiso prescindir más tiempo de una de las obras maestras de su colección.
En contrapartida, “por primera vez en décadas” el público puede admirar una al lado de la otra las dos versiones de El sembrador realizadas en noviembre de 1888, la más pequeña de las cuales pertenece al museo Van Gogh y la otra a la Fundación Bürhle de Zurich.
La exposición se divide en cuatro secciones: “Paisajes durante la puesta de sol” , con sus primeros paisajes al anochecer (entre 1883 y 1884) y obras de pintores como Camille Corot y Jean FranÇois Millet a los que admiró y que influyeron en él.
“Vida campesina” recoge los bosquejos de los campesinos de Nuenen (Holanda) , donde Van Gogh crearía su primera obra maestra, “Los comedores de patatas” , en la que dominan los claroscuros y se ve a unos campesinos cenando, en una reminiscencia de la sagrada familia de Rembrandt.
“La voz del trigo: un nocturno” refleja la fascinación de Van Gogh con la vida de los campesinos y su vinculación con los ciclos de la naturaleza, mientras que en “Poesía de la noche” se evocan las asociaciones poéticas con el atardecer y la noche.
En esta sección figuran las dos “noches estrelladas” y el retrato del pintor Eugène Boch, al que Van Gogh presenta como un poeta, con un cielo estrellado de fondo que simboliza la eternidad.
El Universal

El MoMA y el Guggenheim ‘ganan’ dos obras de Picasso

Los museos MoMA y Guggenheim de Nueva York se quedarán con dos pinturas de Picasso después de alcanzar un acuerdo con el banquero judío alemán, Julius Schoeps, que decía ser el legítimo heredero de las obras.

Los abogados de Schoeps y de los museos han comunicado a un juez federal de Manhattan que se había resuelto extrajudicialmente la disputa sobre la propiedad de ‘Boy Leading a Horse’ (‘El niño con caballo’), que se exhibe en el MoMA, y ‘Le Moulin de la Galette’ (‘El molino de la Galette’).
En el 2007, el MoMA y la fundación Solomon R. Guggenheim demandaron a Schoeps, que decía ser el heredero del coleccionista de arte, y al banquero Paul Robert Ernst von Mendelssohn-Bartholdy. Schoeps alegaba que su tío abuelo fue obligado a renunciar a las pinturas durante la Alemania nazi.
“Habrá paz entre los museos, el Mendelssohn-Bartholdy y otros herederos. Las pinturas permanecerán en los museos”, ha declarado a la corte Gregory Joseph, abogado de los museos.
Ambar partes han intentado que la cantidad por la que se ha cerrado el acuerdo sea confidencial, pero el juez del distrito, Jed Rakoff, les ha instado a publicarla. “Sería extraordinariamente desafortunado que el público se quede sin saber cuál es la verdad”, ha afirmado, y ha dado 30 días a ambas partes para que expliquen por qué debe permanecer en secreto.
La llegada a Nueva York
Von Mendelssohn-Bartholdy fue presionado por el régimen nazi para deshacerse de algunas obras de arte antes de su muerte en 1935.
Las pinturas, que se cree valen millones de dólares, han sido una gran atracción en ambos museos. ‘Le moulin de la Galette’, que tiene el mismo nombre que un famoso Renoir, fue pintado en 1900 y ‘Boy Leading a Horse’ seis años después.
Las obras fueron entregadas a Justin Thannhauser, un avezado comerciante de arte judío alemán, que además fue socio de von Mendelssohn-Bartholdy. Thannhauser vendió ‘Boy Leading a Horse’ en 1936 al ex presidente del MoMA, William Paley, quien a su vez la cedió al museo en 1964. ‘Le Moulin de la Galette’ fue transferido al Guggenheim por Thannhauser en 1963.
El Mundo