Duplica el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) el número de Residencias Artísticas Internacionales y de becas para Estudios Artísticos y Culturales en el Extranjero

En las oficinas del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el día de hoy, jueves 4 de febrero, se llevó a cabo la firma de un acuerdo de colaboración entre el Conaculta, representado por su presidenta, la Lic. Consuelo Sáizar, y el Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (Conacyt), representado por su director general, el maestro Juan Carlos Romero Hicks, con el objetivo de fortalecer los programas de Residencias Artísticas y de Becas para Estudios Artísticos y Culturales en el Extranjero del Fonca, y de este modo, incrementar y diversificar el número de apoyos que se ofrecen anualmente.

Programa de residencias artísticas

Actualmente, el Programa de Residencias Artísticas ofrece, cada año, 43 residencias en el extranjero para artistas mexicanos, en las modalidades de Intercambio y Enlace; a partir de este año se ofrecerán 40 residencias más, en la categoría de Libre Gestión, sumando un total de 83 residencias.

Esta modalidad -Libre Gestión- permite que el postulante seleccione con total libertad el país, institución o taller artístico del extranjero en el que desea realizar la residencia; con esto se busca fortalecer la conformación de redes artísticas internacionales. El monto máximo de subsidio en esta modalidad será de 100 mil pesos por artista.
Asimismo, en las modalidades de Intercambio (viaja un artista mexicano y se recibe a un artista extranjero) y Enlace (el Fonca asume íntegramente el costo de la residencia de un artista mexicano) incorpora dos nuevas sedes, Alemania y Dinamarca, a las 10 con las que actualmente mantiene convenios vigentes en Argentina, Austria, Canadá, Chile, Colombia, Estados Unidos (ISCP y Lark Delevopment Center) Francia, Quebec y República Checa.

Programa de Becas para Estudios Artísticos y Culturales en el Extranjero

La firma de este convenio contempla el incremento en el número de becas otorgadas para realizar estudios artísticos y culturales, de 90 a 180, con un monto máximo de 150 mil pesos para cada una.
Del total de becas, 130 serán para realizar estudios de posgrado, mientras que 50 permitirán, a jóvenes talentos y artistas con trayectoria, realizar especialidades técnicas o académicas, lo que constituye una innovación en el sistema nacional de subsidios académicos, al abrir posibilidades de desarrollo a artistas que con la base de un virtuosismo técnico se ven imposibilitados, por su corta edad, a obtener apoyos que les permitan desarrollar su talento en el extranjero. Asimismo se abre la posibilidad de acceder a cursos, talleres, seminarios y otros formatos de capacitación que no se encuentran dentro de los programas de educación artística en México, aspectos que implican beneficios latentes para la sociedad en su conjunto, pues permiten el acceso a manifestaciones artísticas de mayor calidad.
Las bases de participación para estas convocatorias podrán consultarse, a partir del 19 de febrero del presente, en el sitio electrónico del Fonca http://fonca.conaculta.gob.mx o en las oficinas del Fonca, ubicadas en República de Argentina 12, col. Centro Histórico, delegación Cuauhtémoc, C.P. 06010, en México, Distrito Federal.
Las aportaciones institucionales para estos programas serán de $25,730,000.00 por parte del Conaculta y $11,750,000.00 por parte del Conacyt, de los cuales $20,700,000.00 serán destinados a Becas para Estudios Artísticos y Culturales en el Extranjero, y $16,780,000.00 serán para Residencias Artísticas.
Con este acuerdo, el Conacyt, institución dedicada al desarrollo de la ciencia y la tecnología, extiende su oferta de financiamiento hacia las disciplinas artísticas y culturales por vez primera y, con el Conaculta, se suma al impulso nacional de conjuntar esfuerzos institucionales para fortalecer iniciativas que han demostrado utilidad y eficacia. (CONACULTA)

Invitan a grafitear la historia

Con motivo de las conmemoraciones del Bicentenario del Inicio de la Independencia Nacional y el Centenario del Inicio de la Revolución Mexicana, se convoca a artistas, aficionados y expertos en grafiti de entre 18 y 34 años de edad, a participar en el Concurso Grafiteando la historia, en el que se entregará un premio de 100 mil pesos para cada una de las dos obras ganadoras que provoquen la reflexión sobre estas dos importantes fechas en la historia nacional.
El objetivo del concurso es la realización de dos grafitis, uno para el Bicentenario del Inicio de la Independencia Nacional y uno para el Centenario del Inicio de la Revolución Mexicana. La organización de este certamen está a cargo del Instituto Nacional de Estudios Históricos de las Revoluciones de México (INEHRM), como encargado de la Coordinación Ejecutiva de los programas y calendarios que acuerde la Comisión Organizadora de las Conmemoraciones de 2010 y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), a través del Fondo Nacional Para la Cultura y las Artes (Fonca) y del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), por medio de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”.
Según establece la convocatoria, podrán presentarse proyectos de manera individual o colectiva, con un máximo de 4 personas; los graffitis propuestos deberán ser inéditos; el boceto del proyecto deberá realizarse a escala en tamaño cartel (60 X 90 cm), a color; los trabajos deberán identificarse con seudónimo y sólo se aceptará una propuesta por concursante ya sea individual o grupal.
Cada propuesta deberá estar firmada con seudónimo y especificar para qué categoría se presenta (Bicentenario del Inicio de la Independencia Nacional o Centenario del Inicio de la Revolución Mexicana). Además, en la parte trasera del boceto deberá pegarse una breve argumentación sobre el garffiti que se desarrolla, con una extensión máxima de una cuartilla.
Es necesario anexar a las postulaciones cinco juegos en hojas tamaño carta con la ficha del graffiti, estableciendo técnica a utilizar, especificación de los materiales para su ejecución y la firma con seudónimo. De la misma manera se adjuntará un sobre cerrado y rotulado con el seudónimo del autor que contenga la carta en que acepta los términos de las bases generales del certamen, el reconocimiento de la autoría del graffiti –afirmando que se trata de una obra inédita– así como su nombre completo, domicilio, teléfono, correo electrónico y firma.
Asimismo se deberá incluir una fotocopia del acta de nacimiento e identificación oficial. En caso de que la propuesta sea grupal, la convocatoria establece que se necesitarán copias de cada uno de los integrantes del equipo.
Para la selección se contará con un jurado especializado que considerará originalidad, creatividad, técnica, calidad artística, evocación de las conmemoraciones y argumentación. El resultado se dará a conocer el 23 de abril de 2010 en las páginas electrónicas de las instituciones convocantes y en un periódico nacional.
Los proyectos seleccionados deberán realizarse durante el mes de agosto de 2010 en el Parque Bicentenario, ubicado en el predio de la ex Refinería 18 de marzo, Delegación Azcapotzalco, Distrito Federal.
Los recursos para la adquisición de los materiales así como las herramientas necesarias para la elaboración de los graffitis, correrán a cargo de los organizadores del certamen; de la misma manera se harán cargo del traslado y hospedaje –hasta por tres días– en caso de que el o los concursantes vivan fuera de la ciudad de México.
La convocatoria permanecerá abierta hasta las 14 horas del día 22 de enero de 2010. Las postulaciones podrán ser entregadas personalmente o enviadas por correo o mensajería especializada a la dirección: Concurso Graffiteando la Historia, Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, Avenida Río Churubusco número 79, Colonia Country Club, Código Postal 04220, México, D. F.
Para consultar la convocatoria completa se pueden consultar las siguientes páginas en Internet: www.bicentenario.gob.mx, www.conaculta.gob.mx, www.fonca.conaculta.gob.mx, http://www.bellasartes.gob.mx y www.esmeralda.edu.mx. (CONACULTA)

Margarita Sanz interpreta Campo de estrellas, un viaje íntimo por los sentimientos y pensamientos de una actriz

Conaculta.- El Foro Sor Juana Inés de la Cruz, abre sus puertas a Campo de estrellas, un viaje íntimo, emocional, sugestivo e introspectivo por los sentimientos y pensamientos de una actriz que tiene que sobreponerse a la muerte de su madre, figura imprescindible en su vida personal y artística.
La obra fue escrita en 2008 por la reconocida dramaturga Luisa Josefina Hernández –creadora emérita del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca)– para resarcir el dolor, la tristeza y el vacío que dejó la muerte de la señora Jayne Martin Jenkinson Grey en la vida de Margarita Sanz.
Monólogo del corazón que apela a los recuerdos y enseñanzas, el texto escrito por la ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes 2002, es un viaje por los recuerdos y las experiencias personales, además de se un homenaje a los personajes, maestros y compañeros que la han formado durante su recorrido artístico.
Durante sus casi 50 años de trayectoria en el teatro, cine y televisión, Margarita Sanz (Guadalajara, 1954) ha trabajado con grandes creadores, como Abraham Oceransky –con quien participó en la obra Simio, primer montaje del teatro El Galeón, en 1973–, Julio Castillo, Ludwik Margules, Luis de Tavira, Héctor Mendoza, José Caballero, Germán Castillo, Jesusa Rodríguez, Martín Acosta y Alberto Lomnitz, entre otros.
Ganadora de tres Arieles: en 1985 por su actuación en Frida, naturaleza viva, 1995 por su interpretación en El callejón de los milagros y en 2003 por La habitación azul.
Después de varias décadas en los escenarios, la reconocida actriz por primera vez se enfrenta a un trabajo unipersonal, que requiere su absoluto profesionalismo para soportar el peso de la acción escénica.
Sanz armada con todas su fuerzas y talento sube al escenario del recinto universitario para afrontar uno de los mayores retos de su carrera histriónica: interpretar a su propia madre.
La actriz desnuda su alma y presenta sus recuerdos llenos de lágrimas y añoranzas, que la llevan a revivir los tiempos en los que iba tomada de la mano de su madre descubriendo, inventando y configurando el mundo.
El público entra y aprecia sobre una plataforma de madera, el estudio de la actriz; a los lados, carteles de temporadas anteriores en las que ha participado, en las paredes algunas piezas de los vestuarios ocupados en otros montajes, libros acomodados en un pequeño mueble, libretos con las pastas gastadas de tanto utilizarse y una mesa rectangular.
Una mujer entra al escenario, está ante el vacío emocional, el dolor y el desconsuelo, ha perdido su eje de referencia y una de sus mayores motivaciones en su vida, solamente hay devastación, pero al experimentar un viaje a su infancia, nuevamente recorre los caminos de las enseñanzas, las lecciones de canto, el aprendizaje de los frescos de la Capilla Sixtina, los juegos con las muñecas y las clases para tocar el arpa.
En el presente montaje la artista reconoce su oficio lleno de transformaciones que le permiten vivir “mil vidas” y penetrar al mundo de la ficción y a otras épocas. La actuación le permite reencontrarse con su propia madre, oírla contar sus andanzas juntas y escuchar como le dice: “morir no es irse, el amor no debe desgastarse, ya no hay barrera ni distancia, el amor es todo”.
Sanz canta, toca el arpa –la cual tiene un listón negro en la parte de arriba– y el piano, interactúa con el público y les muestra a los asistentes una abertura en su alma, por la cual emanan historias, fragmentos de su vida y aprendió a volar, a cabalgar por los cielos.
El teatro llega para reconfortarla como un fantasma para rescatarla de la tristeza, personajes de August Strindberg, Henrik Ibsen y Fernando de Rojas llegan para mostrarle sus fortalezas y debilidades.
Julia (de la Señorita Julia, de Strindberg), Nora (de Casa de muñecas, de Ibsen), Celestina (de La Celestina, de Rojas), La momia (de Sonata de espectros, de Strindberg), la señora Alving (de Espectros, de Ibsen) y Hedda Gabler (personaje principal de la pieza teatral homónima de Ibsen) llegan para conversar con Sanz y hacerla reflexionar sobre la vida misma y sus necesidades emocionales.
Un universo de sentimientos es expuesto, las colisiones cósmicas, meteoritos, constelaciones y galaxias se proyectan en una pared del foro; un video muestra la luna, las estrellas y las ráfagas que pasan por un infinito espacio de emociones que son vistas a través de un telescopio que descubre también en los asistentes un brillo sideral.
La obra transforma la tristeza y desesperación de una mujer en un gigantesco agradecimiento eterno e infinito a quien la apoyó, acompañó y amó en vida y ahora es parte de ella, alojada en su alma.
Gerardo Trejoluna –actor de las obras Autoconfesión y Tom Pain– y Margarita Sanz dirigen la presente obra que se adentra en el misterio del universo personal, de los satélites, soles y planetas que giran alrededor de uno.
El equipo creativo lo completan en la música original Omar Guzmán, en el diseño de iluminación Julia Reyes Retana, vestuario Cristina Sauza, utilería Felipe Lara y Carlos González, y en el diseño de imágenes y realización de video José Luis García Nava –miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte– y Anni Garza Lau –artista beneficiada por el programa Jóvenes creadores, del Fonca–.
Al finalizar la función de estreno, Margarita Sanz completamente conmovida, agradeció el apoyo de Héctor Mendoza, con quien ha participado en los montajes La mano ligera (1975), In memoriam (1975), Vamonos a la guerra (1977), La Historia de la aviación (1979), Crímenes del corazón (1982), Juicio suspendido (1993); además expresó su admiración y gratitud eterna e infinita a Luisa Josefina Hernández por escribirle esta pieza que ahonda en su propia alma y la llena de paz interior.
Campo de estrellas se presenta hasta el 6 de diciembre, todos los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y los domingos a las 18:00 horas, en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural Universitario. Avenida Insurgentes 3000.

Estreno dancístico reflexiona sobre la necesidad de la presencia escénica espiritual

Pisar el escenario es más que tener una presencia física. Exige una espiritualidad, una entrega cargada de emociones que le permita al intérprete tener una comunicación integral con el público. Por desgracia, hay ciertos estereotipos que han mecanizado el proceso creativo.

Esta reflexión personal llevó a la bailarina y coreógrafa Eugenia Vargas a crear un montaje donde invita a los creadores, especialmente bailarines y actores, a no olvidarse del papel que tienen como entes escénicos.

La obra se titulada El sueño de la muerte o el lugar de los cuerpos poéticos, que se estrenará el próximo viernes 9 de octubre en el Centro Cultural Los Talleres, donde tendrá temporada hasta el 1 de noviembre del presente año.

En entrevista, la coreógrafa explica el origen y proceso creativo de esta pieza que fue apoyada por el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

Sobre el detonador comenta: “Todo se origina de una inquietud profunda de reflexionar acerca de lo que significa la presencia escénica. Llevo tiempo trabajando con actores y bailarines, dándome cuenta que a veces se olvidan de su cuerpo y de su papel que tienen como artistas en nuestra época de modernidad”.

-¿Consideras que los creadores se han olvidado de ese parte espiritual cuando se suben al escenario?

“Así es. Dentro de mi experiencia en la danza y de lo que he podido constatar en el medio, sobre todo en la etapa formativa, es que se olvidan del trabajo espiritual. Todas sus energías se canalizan en un entrenamiento físico, dejando a un lado ese entrenamiento emotivo, sensible, espiritual. Creo que es hora de volver a tocar el corazón, de buscar en uno mismo y dejar a un lado la mecanización, que no nos permite proyectar nada en escena”, dijo quien ha dado clases de danza en el Instituto Nacional de Bellas Artes y la Universidad Nacional Autónoma de México.

Su reflexión está plasmada en cuatro soliloquios, cuyas intérpretes hacen un retrato del momento que están viviendo como artistas, rompiendo estereotipos de expresión para tratar de explorar otras posibilidades corporales.

-¿A qué estereotipos te refieres?

“En cuestión dancística, siempre ha sido una inquietud para mí el hecho de que existan tantos bailarines, tantos coreógrafos, tantas compañías y que repitan los mismos movimientos. Son estereotipos que me ponen en conflicto cuando la danza es un arte que permite explorar otras posibilidades corporales. Es momento de salir de la comodidad estética y arriesgarse”.

Para elaborar este montaje coreográfico, Vargas –quien estudió la licenciatura en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea–, se basó en el conocimiento que adquirió con tres maestros de la escena que le impartieron talleres sobre diferentes temas: Diego Piñón (danza butoh), Gerardo Trejoluna (presencia escénica) e Indira Pensado (voz).

Asimismo, se inspiró en la obra poética de Alejandra Pizarnik, quien legó justamente un texto cuyo título sirvió para darle nombre al montaje coreográfico de Vargas.

-¿Por qué resultó idóneo para ti recurrir a este poema?- (del que se leerán algunos fragmentos durante la función).

“Primero debo aclarar que no se escenifica el poema. Éste fue sólo un impulso para acompañar a las intérpretes hacia su realidad, para que abran su corazón y lo ofrenden. En sí el trabajo de Pizarnik habla sobre la muerte, pero leyéndolo a profundidad nos daremos cuenta que se refiere al amor, que es el lugar de la muerte y que sólo se escucha cuando está próxima, momento en que se experimenta una gran plenitud”.

El sueño de la muerte o el lugar de los cuerpos poéticos se presentará del 9 de octubre al 1 de noviembre en el Centro Cultural Los Talleres (Francisco Sosa 29, Coyoacán). Las funciones son los viernes, 20:00 horas; sábados 19:00 y domingos 13:00 horas.