Zanahorias y papas, componentes de auto de carreras

El uso de la fibra de carbono en la fabricación de automóviles de competición puede verse reducido al prosperar las investigaciones de la universidad inglesa de Warwick, que ha creado, en colaboración con el Instituto Tecnológico del Plástico (Aimplas) , un coche de carreras con materias primas como zanahoria, soja, patatas y yute.
El proyecto “World First Racing” , presentado hoy al público en Valencia coincidiendo con la celebración del Gran Premio de Europa de Fórmula Uno, pretende demostrar la validez de los materiales procedentes de fuentes renovables en las condiciones de uso más exigente.
Al frente de este proyecto está James Meredith, un ingeniero con una “considerable experiencia” en la industria del automóvil, que cuenta con la supervisión de Kerry Kirwan y Steve Maggs.
Según aseguran fuentes de Aimplas, con esta iniciativa “se reduce la dependencia del petróleo para la fabricación de polímeros y se apuesta por los procesos productivos más sostenibles”.
La industria del motor, reclaman sus responsables, tiene que ser ahora más sostenible desde el punto de vista medioambiental y evitar de igual modo “cualquier pérdida en el rendimiento” .
En el mostrador donde se exhibe el bólido, un gran panel explica cada una de las partes del vehículo y su procedencia; por ejemplo, el sillón del piloto está hecho con “fibras de lino, aceite de soja y tejido de espuma de poliéster reciclada” , mientras que los espejos y el frontal delantero proceden de fécula de patata y fibra de lino.
Este último material compone también los paneles laterales junto a la resina de botellas recicladas; los motores son de dos litros turbodiesel y biodiesel de calibración, y el volante está fabricado con polímeros derivados de la zanahoria y otras hortalizas de raíz.
Asimismo, se están desarrollando unas almohadillas de anacardo para evitar que los frenos sean de carbono; los radiadores están recubiertos con un catalizador que convierte el gas ozono en oxígeno, mientras en las ruedas se han eliminado los policíclicos aromáticos y el lubricante está hecho a base de aceite vegetal.
Según ha explicado hoy el responsable del departamento de Composites de Aimplas, Enrique Díaz, se trata de una iniciativa que pretende demostrar que realmente puede fabricarse “un coche de competición sostenible a partir de materiales que provienen de fuentes renovables, con materiales reciclables que son respetuosos con el medio ambiente” .
Díaz ha señalado que la colaboración del instituto tecnológico, con sede en Paterna (Valencia) , se centra en un difusor anterior -situado a ambos lados del alerón en el frontal del coche- construido “a partir de tejido de yute y polímero que proviene del aceite de soja” .
Según ha remarcado este experto valenciano, se trata de una pieza “de gran resistencia y que puede montarse en un coche de alta competición, como éste que es de Fórmula 3″ .
El bólido, que será sometido mañana a una prueba, puede visitarse hasta el próximo domingo en el expositor del Aimplas y la Universidad de Warwick ubicado en el área denominada “Beach Park” de la playa de La Malvarrosa, una de las zonas de ocio anexas al recinto del circuito urbano de Valencia en el puerto.
El Universal

Pekín exhibe trabajo de 25 artistas latinoamericanos

Veinticinco artistas jóvenes representan con sus obras en diversos soportes por primera vez en una misma galería a América Latina en la Bienal de las Artes de Pekín 2009, que se celebra hasta el 12 de septiembre en la zona de arte joven 798 de Pekín.
Según los comisarios de la muestra, los chilenos Nicolás y Katiushka Arze, en la selección se priorizó más que la temática o el historial de exposiciones “la conciencia del oficio, línea de trabajo y conocimientos de la técnica ya que, desafortunadamente, el arte joven tiende a ser flojo en oficio y técnica”.
“En el proceso, descubrimos que el término `artista latinoamericano` es demasiado amplio y no hay conexiones evidentes por lo que fue su impulso productivo y sentido fundamental por el trabajo lo que nos llevó a invitar, por ejemplo, al hondureño Freddy Selva o a la uruguaya Silvina Arismendi”, afirmó Nicolás.
Junto a ellos, exhiben sus obras los colombianos Carlos Motta, Ícaro Zorbar, Martin Sastre, Carlos Bonil, Nicolás Cuestas y Lorena Kraus, la argentina Tamara Kostianovsky, la brasileña Antonia Días Leite, la peruana Maya Watanabe o la mexicana Ana Roldán, cuya composición de banderas “Colombia, Chile, Uruguay, México y Brasil” tuvo mucho éxito.
Cristóbal Cea, el propio matrimonio Arze, Ariel Bustamante, Francisca Benítez, Carla Cari, Sebastián Malahut, Alejandro Moreno, Felipe Santander, Nicolás Grum, Aymara Zegers, Paula Anguita y Nicolás Rupcich en colaboración con Emilio Marvin, son chilenos.
Rupcich acudió a Pekín con el vídeo HD de 6 minutos Gran piscina, que muestra la de 8 hectáreas y 1.013 metros en San Alfonso del Mar frente al Pacífico por un centro vacacional privado y que está vacía la mayor parte del año.
“Con el arquitecto Emilio Marvin mostramos la artificialidad del espacio diseñado y como la imagen paradisíaca es mediatizada por el hombre. Una imagen de doble efecto: ficción y artificialidad, idealizada sobre un lugar de vacaciones y desde donde se contempla un doble horizonte”, dijo Rupcich.
Los 69 dibujos que integran la obra Líneas de propiedad (signos que marcan la propiedad privada en calles y ante edificios en la ciudad de Nueva York), de Francisca Benítez, ocupan una pared de la galería dedicada al arte contemporáneo latinoamericano en la Bienal.
“Estoy muy feliz de mostrar en China cómo en EU la propiedad privada es sagrada, con signos a veces muy pequeños como el del Federal Hall National Memorial frente a la Bolsa de Wall Street, lugar donde juró como presidente George W. Washington”, dijo a Efe.
“El arte chileno no tiene nada que envidiar al chino aunque no tenga tanto mercado o interés”, dijo Arze.
El matrimonio Arze residió año y medio en China y organizó en 2007 en Shanghái la exhibición Chile y China SWEN con una decena de artistas chilenos y que llevó a la invitación a la Bienal.
“Nosotros habíamos llegado al arte visual en 2003 y además de comisarios, participamos en las exposiciones con instalaciones de pantallas mínimas del tamaño de un iphone que permiten al público acercarse a las obras”, destacó Nicolás.
La Fundación que crearon, con apoyo del Gobierno y empresas privadas chilenas, les permitió establecer una red de artistas chilenos y chinos que ya originó la obtención de residencias en China para ocho artistas del país suramericano.
“Apoyamos la búsqueda distinta y la dignidad artística de los artistas chilenos que con otros latinoamericanos muestran la vanguardia y la sensibilidad especial de todo un continente”, dijo a Efe el embajador de Chile en China, Fernando Reyes Matta.
Reyes Matta alabó designar “Constelaciones” a la actual edición de la Bienal “porque tienen estrellas de todos los tamaños, con luminosidad distinta y en distancias diversas y Chile es el país donde más astrónomos observan el Universo”.
“El diálogo artístico entre culturas fortalece las convicciones propias abriendo los ojos a nuevas perspectivas”, concluyó el embajador.
El Universal

Homenaje a Octavio Paz fue inaugurado en el Munal

La exposición “Materia y sentido. El arte mexicano en la mirada de Octavio Paz” tuvo una fastuosa inauguración, la víspera, en el Museo Nacional de Arte Moderno (MUNAL) , sitio al que llegaron tanto personalidades de la cultura nacional como gente del pueblo.
La exhibición reúne 320 piezas provenientes de 14 colecciones públicas y 23 privadas, de las cuales 210 pertenecen al MUNAL, 110 piezas de colecciones particulares y acervos institucionales, así como 32 objetos en 25 núcleos que toman el título de ensayos de Octavio Paz, con curaduría de Héctor Tajonar.
Con la asistencia de Consuelo Sáizar, presidencia del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) ; Teresa Vicencio Alvarez, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) , y Marie José Paz, viuda de Octavio Paz, la muestra fue abierta en sus dos pisos y numerosas divisiones temáticas.
La ceremonia de inauguración duró apenas unos minutos, un instante en el que las garantes de la política cultural del país dieron la bienvenida, agradecieron asistencias y procedieron a invitar al recorrido de apertura de la exposición, que desde ahora se perfila como la más importante de este año en México.
Lo anterior, a decir del curador Tajonar, porque por primera vez el MUNAL exhibe piezas legendarias del arte prehispánico, como las prehispánicas Xochipilli y Chaac Mool. “Se reúnen las más importantes obras del quehacer plástico mexicano en las que Octavio Paz fijó su mirada” , precisó el maestro.
Explicó que con esta muestra, que la noche de este jueves ya fue visitada por cientos de personas que atendieron la convocatoria gratuita, culmina el programa en torno a los 10 años de la muerte de Octavio Paz. “Es un recorrido de tres mil años a través del quehacer artístico y cultural mexicano” , subrayó.
Esta exposición “fuera de serie” ofrece obras maestras de Miguel Cabrera, Hermenegildo Bustos, José María Velasco, José Guadalupe Posada, Angel Zarraga, Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Gerardo Murillo “Dr. Atl” , Frida Kahlo, María Izquierdo y Manuel Rodríguez Lozano.
A lo largo del recorrido, guiado por una línea que el público sigue de manera instintiva en el piso, se observan retratos, esculturas, grabados, litografías y toda suerte de piezas de Abraham Angel, Remedios Varo, Luis Buñuel, Leonora Carrington, Juan Soriano, Rufino Tamayo y Manuel Alvarez Bravo.
También figuran José Luis Cuevas, Vicente Rojo, Manuel Felguérez, Alberto Gironella, Francisco Toledo y Marie José Paz. La comitiva oficial hizo el recorrido realmente maravillada, seguida por una legión de público realmente amante del arte, y por no pocos asistentes idos y ajenos a lo que ahí pasaba.
Durante el recorrido, Tajonar explicó de manera espontánea y natural el origen y significado de algunas piezas, ilustración que los funcionarios apreciaron en lo que vale, y por lo cual se congratularon del trabajo conjunto del Instituto Nacional de Antropología e Historia y el Instituto Nacional de Bellas Artes.
La exposición comprende desde los tiempos mesoamericanos hasta nuestros días. El eje conductor de esta exhibición son los textos reunidos en el libro “Los privilegios de la vista” sin dejar de lado escritos fundamentales como “Las peras del Olmo” (1957) , “Puertas al campo” (1966) y “Corriente alterna” (1967).
Las islas temáticas son “Materia y sentido” (Sala introductoria) , “El espejo de la dualidad” (Mesoamérica) , “La espada, la cruz y la péndola” (Sala virreinal) , “Sor Juana y los derechos del intelecto” (Sor Juana Inés de la Cruz) , “Cambio y continuidad” (Cuadros de historia del siglo XIX) y “El peso de las formas” (José María Estrada).
También “En lo alto de un valle frío” (José María Velasco) , “Prolongación de los sentidos e instrumentos científicos” (Dibujos de José María Velasco) , “Magia blanca y magia prieta” (José Guadalupe Posada) , “Gesto, temperatura y mirada” (Hermenegildo Bustos) , y “Desnuda bajo diáfanos follajes” (Simbolismo).
Igual, “Eternidades de un instante” (Rivera y Atl) , “Complejas y pasionales” (Frida Kahlo y María Izquierdo) , “Espacio reconquistado” (Diego Rivera cubista) , “El uso y la contemplación” (Arte popular) , “Otros mundos, otros planetas, otras revelaciones” (Los Contemporáneos) , y “Tradición, fantasía poética e imaginación visual” (Juan Soriano).
“Lo nunca visto y lo ya visto” (Surrealismo y arte mágico) , “Imaginación y deseo” (Sala hipertextual siglo XX) , “Gesticulación y elocuencia” (David Alfaro Siqueiros) , “Los poderes de la subversión y Monotonía e intensidad” (José Clemente Orozco) , “Los colores, las formas, el tacto” (Rufino Tamayo) , también.
Finalmente, “Del ojo a la imagen al lenguaje” (Sala de fotografía siglo XX) , “Palabra e imagen” (Gabinete de estampa siglo XX) , y “El precio y la significación” (Arte contemporáneo) , puro arte mexicano hecho durante tres mil años, visto desde la perspectiva analítica y poética de Octavio Paz.
El Universal

Evoca Luis Nishizawa su niñez como origen de su pintura

Derivada de aspectos de la vida cotidiana que experimentó durante sus primeros años de vida, el pintor mexiquense, Luis Nishizawa, manifestó que su obra responde a una necesidad puramente espiritual.

“Al principio de mi carrera tuve mucha influencia de la pintura japonesa, porque mi padre era de Japón, aunque yo nací en un pueblo del Estado de México, y me encantaron desde siempre los volcanes y sus colores”, expuso el artista, quien el próximo 2 de febrero cumplirá 91 años de vida.

Luis Nishizawa es uno de los pocos pintores que se dedican al dibujo como un fin, en el cual todo se insinúa y afirma con la sobria elocuencia de la línea, el resplandor de la luz y el contrapunto de la sombra.

Referirse a él, señala en un comunicado el Instituto Mexiquense de Cultural (IMC), es evocar un paisaje, término que define al género pictórico que representa escenarios naturales y espacios exteriores, provenientes de las obras realizadas por los artistas viajeros durante el siglo XIX, los cuales iniciaron la práctica de pintar a campo abierto.

Con 90 años a cuestas, el pintor mexiquense recordó que “nací en un pueblo mexicano y mi padre tuvo un rancho donde había vacas, caballos y, sobre todo, hermosos paisajes.

“Desde niño iba con mi hermano a cuidar el ganado, y eso influyó en mi obra. Recuerdo que mi madre tenía que ir al mercado de Tultepec a comprar fruta, porque en el pueblo no había, entonces desde el cerro veía a mi madre venir con peras, naranjas, manzanas.

“Esa fue mi vida hasta que mi padre decidió mudarnos a la Ciudad de México.”, expuso el creador de paisajes como “Valle de México”, (1947), “Paisaje de Yagul” (1976) y “Pátzcuaro” (1960).

Nishizawa, quien ha conjugado en sus pinturas sus raíces mexicanas y japonesas, exhibe su trabajo en el Museo que lleva su nombre, ubicado en el IMC, donde el reconocido pintor, muralista escultor dispone de un cuarto con sendas camas para descansar.

En las paredes se aprecian también cuadros de David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo y José Chávez Morado. “Esta es la colección de mis fantasmas, porque todos están muertos”, comentó sin dramatismo el maestro, de expresión lacónica, pero elocuente.

Su obra se encuentra, además, en muchos sitios: óleos y acuarelas en el Museo Luis Nishizawa, y murales en el Centro Cultural Mexiquense, Secretaría de Educación Pública y la Sala “Miguel Covarrubias”, del Centro Cultural Universitario, entre otros sitios.